Une interview d'Olga Chernykh sur son premier long métrage "Une photo souvenir"

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Dans le cadre du cycle de cinéma ukrainien "Filmer c'est résister", nous projetterons le jeudi 15 mai à 18h45, le film « Une photo souvenir ». C'est le premier long métrage documentaire d'Olga Chernykh. Il s'agit d'un film collage personnel qui analyse le passé et le présent à un niveau personnel et national.

Les personnages principaux du film sont Olga elle-même, sa mère, qui travaille à la morgue de Kiev, et sa grand-mère, qui vit dans la ville occupée de Donetsk, dans l'est de l'Ukraine. Le film combine plusieurs caméras et des images d'archives pour transmettre la fragilité et l'importance de la mémoire. Présenté pour la première fois à l'ouverture de l'IDFA l'année dernière, le film a fait le tour de nombreux festivals à travers le monde, dont celui de Ji.hlava. Dans notre interview, nous discutons avec Olga de la transformation de l'idée initiale avec le début de l'invasion à grande échelle, du processus de transmission cinématographique de la fragilité de la mémoire et de la puissance des archives filmiques.

On sait qu'au départ, l'idée de votre film était différente. Il devait s'agir d'une histoire sur la mort, et finalement, il s'est avéré être un film complexe avec des thèmes à plusieurs niveaux. Pourrais-tu me parler de ce processus de transformation ?

En 2019, j'ai décidé de filmer le travail de ma mère à la morgue. J'avais notamment l'idée de faire un film sur le moment où nous essayons de ne pas rester coincés dans l'oubli. Quel est ce moment d'oubli dans notre existence, où se situe-t-il, et a-t-il une frontière ? Comment ne pas sombrer dans cet état, et qu'est-ce qui nous aide à rester à flot ?

La morgue est un lieu très métaphorique pour cette idée, alors j'ai pensé que je pourrais simplement me promener et filmer ma mère et ses collègues – c'était en général l'une des lignes du film. L'autre ligne allait porter sur la mémoire, car j'ai soudainement trouvé une grosse caméra dans le sous-sol de la morgue, qui était censée être une métaphore de l'oubli. Mon père et moi avons commencé à la restaurer, à faire des séances photos, que j'ai filmées aussi. À l'époque, je pensais que l'histoire personnelle de ma famille et moi serait un petit élément pour renforcer métaphoriquement cette ligne avec la caméra.

Mais ensuite, l'invasion à grande échelle a éclaté.

Oui, et c'est là que j'ai compris que ça ne marchait pas du tout. En mars 2022, j'ai réalisé assez rapidement que je devais complètement repenser mon approche. Je ne peux pas me cacher de l'histoire de ma famille, car elle est très complexe et c'est un bon exemple du contexte que nous avons traversé.

J'ai donc déplacé mon attention sur la composante émotionnelle, qui pourrait davantage refléter l'outil de la mémoire. Comment la mémoire nous aide mais aussi nous entrave dans des moments aussi difficiles. En fait, la mémoire est une chose intangible qui reste avec les gens quoi qu'il arrive. Seule la démence peut l'emporter. Mais ces souvenirs profonds et fragmentés fonctionnent différemment, ils ne peuvent pas être emportés. Sur cette réflexion, j'ai complètement retravaillé le film, laissant l'observation de la morgue et de la mort en arrière-plan.

Ces types de documentaires participatifs ressemblent souvent à des recherches universitaires, tant sur le plan personnel que national. Comment as-tu structuré votre travail après l'invasion, et quelles conditions l'invasion t'a-t-elle imposées ?

Vous savez, au cours des premières semaines de l'invasion à grande échelle, j'ai réalisé que ma famille traversait la guerre une deuxième fois. Jusqu'à ce moment-là, je m'étais inconsciemment éloigné de cette compréhension, mais depuis lors, je n'ai plus le droit de m'éviter et, au contraire, j'ai acquis une certaine justification devant les autres pour pouvoir en parler. Après tout, cette expérience est devenue plus interpellée par l'ensemble de la société ukrainienne. Lorsque j'ai accepté ce fait, cela a simplifié ma tâche de réalisatrice, qui était de faire ce genre de film personnel, et non une référence prudente de moi-même à l'intérieur.

De plus, au début de l'invasion à grande échelle, j'étais déjà assez éloignée du matériel que j'avais tourné à la morgue. Il était devenu sans rapport avec mon état émotionnel. Il y a peut-être un film là-dedans, mais il est complètement différent et ce n'est pas le bon moment pour qu'il apparaisse. Il ne reflétait pas ce que je voulais faire à ce moment-là, alors j'ai commencé à le parcourir. Toutes les scènes abstraites et poétiques sont apparues après le début de l'invasion.

J'ai lu dans l'une de tes interviews qu'au début du développement, tu as été contrainte de retirer la morgue du film. Pour moi, la morgue et la mort avec laquelle travaille votre mère servent de contrepoint au personnel, et représentent un espoir lumineux face à l'oubli que tu as mentionné plus tôt.

Lorsque j'ai présenté le projet lors des pitchings, les gens ne comprenaient pas comment nous allions combiner tous ces éléments multicouches. Je pense que visuellement, émotionnellement, la morgue est si éloignée que les gens ne pouvaient pas imaginer à quoi cela ressemblerait ensemble.

Cependant, lorsque nous avons atteint une étape ultérieure et que j'ai montré un extrait de 20 minutes en cours de réalisation, il n'y a plus eu de questions. Mais dans la progression générale, c'était tout un défi de le défendre. Puis Kasia, ma monteuse, est arrivée et a dit que ça irait, qu'on trouverait une place, parce que ce serait complètement idiot de le jeter.

Ce qui me fascine le plus dans ton film, c'est la présence de la mort qui frôle l'hérédité et sa transmission à travers la lignée féminine de votre famille. Comment as-tu trouvé ce récit ?

J'ai fait appel à ma mère, et elle s'est très naturellement intégrée au nouveau concept du film en tant qu'élément principal.J'ai également réalisé qu'il serait essentiel d'avoir ma grand-mère, car elle est la seule personne de l'ancienne génération qui se souvienne de la lignée de ma mère.

La lignée paternelle est plus structurée. Il y a une scène dans le film où l'on voit ses archives de photos de famille et tout est si organisé. On peut tout lire et tout connaître, mais du côté de ma mère, il n'y a rien de tel, et la seule personne qui m'a tout raconté, c'est ma grand-mère. De plus, elle vit à Donetsk, qui est un lien avec le passé, notre ville natale.

C'est très intéressant, car dans notre cinéma documentaire ukrainien, peu de films combinent le Donbass avec d'autres territoires de l'Ukraine dans un même espace cinématographique. Il existe des films qui traitent séparément de Donetsk et de Louhansk, mais dans ton film, c'est un seul et même pays, un rappel aux gens que ce sont nos territoires et nos gens qui y vivent.

C'est tellement douloureux. En 2014-2015, nous avons vécu l'expérience d'être considérés comme des nouveaux venus, comme des gens issus du cliché du « Donbass effrayant, du Donbass sans éducation, du Donbass gangster ». C'était le sentiment que les gens et notre région en général n'étaient pas considérés comme faisant pleinement partie de l'Ukraine. Par exemple, il était très difficile de louer un appartement, les gens avaient peur de le louer à d'autres personnes du Donbass. Il était très difficile d'obtenir des papiers de statut migratoire, etc. Je veux dire, au niveau de l'État, par exemple, c'était tellement honteux d'être au bureau des migrations, et j'en ai été très affecté. Malheureusement, je connais des dizaines d'histoires similaires de personnes du Donbass. Et je crois que nous devons en parler d'une manière ou d'une autre, car c'est une expérience collective. Donc, ce contexte ukrainien interne était important pour moi. Ainsi que le contexte plus global de l'Ukraine sur la carte géopolitique et dans l'histoire de la région.

Dans le film, j'essayais également de trouver une universalité à travers des histoires et des souvenirs communs à tous les pays post-soviétiques, car nous avons tous vécu le même contexte. Pour les personnes qui ont traversé certains événements historiques et les ont vécus plus ou moins de la même manière. C'est-à-dire que l'emprisonnement dans le Goulag peut être différent, en fait c'était la même expérience que d'être dans un camp, dans le Goulag. Peu importe que vous soyez à Vladivostok ou à Sakhaline. Ou si nous parlons du présent, si vous êtes sous occupation dans le Donbass ou en Crimée, c'est un seul et même traumatisme en raison de la même politique répressive. Ce sont donc des choses qui peuvent être vécues simultanément par des personnes de différentes villes, de différentes régions de l'espace post-soviétique.

Tu transmets ces éléments chaotiques avec une approche expérimentale, en les cristallisant à travers différents visuels et un montage. C'est intéressant étant donné que tu as longtemps travaillé comme directrice de la photographie dans le cinéma commercial et que tu avais donc un code visuel différent. Mais au final, tu as reproduit ta compréhension du phénomène de la mémoire, de sa destruction et des tentatives pour la comprendre à travers le grain et le chaos de l'image entière.

Oui, parce qu'elle doit être granuleuse avec une texture complexe, composée de matériaux éclectiques. Je pense que ces images fonctionnent pour l'histoire, car notre mémoire est non linéaire et constituée de fragments.

Avec le film, je voulais refléter ce processus dans le cerveau, lorsque nous essayons de nous souvenir d'un événement ancien, et que quelque chose nous vient à l'esprit, et immédiatement l'image se transforme en une autre histoire aléatoire, détachée de l'originale et dans des couleurs complètement différentes. Cependant, ces sauts constants entre différentes parties du cerveau finissent par créer une image de cette histoire que nous essayons de nous rappeler.

Je pense que ces fragments ne pouvaient être transmis visuellement que par une combinaison éclectique de documents d'archives, de photographies, de caméras de vidéosurveillance, de super zoom ou de macro. Autrement dit, ce sont des pièces différentes, un puzzle.

J'allais te demander sur quoi tu tournes, car je sais que tu avais tout un ensemble de caméras différentes.

J'ai filmé avec un appareil photo numérique, un téléphone, une caméra VHS, un caméscope. J'ai aussi filmé avec un appareil photo acheté sur Aliexpress pour sept dollars. En fait, la première scène a été tournée avec. Il est tout petit et a un mode macro sympa, mais quand on s'éloigne, tout devient flou.

Était-ce parce que tu ne trouvais pas l'appareil photo adapté à ton budget, ou était-ce le but de la recherche constante d'une image comme processus de récupération de la mémoire par différents moyens ?

Je pense que mon expérience de camérawoman m'a aidée. Quand j'ai réalisé que je n'avais pas assez de ressources, j'ai commencé à utiliser ma tête et à trouver des solutions. En 2022, je n'avais vraiment pas d'argent pour louer du matériel, et je n'étais pas en Ukraine. Parce que c'est moins cher chez moi, et que j'ai des amis là-bas qui peuvent emprunter du matériel.

J'ai donc fait des expériences. Par exemple, j'ai pris le téléphone de ma mère, qui s'est avéré avoir un zoom x90. Je voulais prendre une photo des nuages et j'ai été vraiment époustouflé par la beauté de la photo. Cette qualité super basse sur un zoom fait une abstraction si magique que j'ai passé une heure à photographier des nuages. C'était exactement ce dont j'avais besoin, car je voulais représenter l'abstraction, pour laquelle, idéalement, j'avais besoin d'un téléobjectif très cher.

Et avec la handycam, c'était un choix délibéré.J'avais déjà filmé avec une handycam et je savais que j'avais besoin de la texture de la vidéo amateur. Mais pas du 8 mm, plus numérique, mais en même temps pas du numérique moche.

Donc, cela peut correspondre à l'esthétique des photos des années 90, de l'époque de la VHS.

Je voulais qu'elles aient une texture visuellement agréable. J'ai acheté cette caméra pour 100 euros sur une place de marché, et je ne sais même pas combien de séquences j'ai tournées avec. C'est une caméra très bon marché, mais géniale. Une véritable découverte à laquelle je ne serais pas parvenue si je n'avais pas eu ces contraintes.

Je voulais te parler de la tendance très récente des documentaires ukrainiens à utiliser des images d'archives. Nous l'avons vue dans Fragments of Ice de Maria Stoianova ou A Bit of a Stranger de Svitlana Lishchynska. Cette tendance à se tourner vers les archives indique généralement une nouvelle étape de réflexion dans des périodes difficiles pour l'identité, c'est-à-dire les processus de décolonisation ici en particulier. Mais qu'est-ce que cela signifie pour toi ?

Je ne pense pas qu'il s'agisse uniquement des processus de décolonisation. Pour moi, il s'agit plutôt de la nature de l'époque actuelle, qui refait surface de manière forcée. La guerre et les événements qui se produisent dans notre pays ne peuvent pas laisser les cinéastes de côté.

C'est un traumatisme psychologique que nous devons repenser et revivre, et les archives nous aident à le faire. Parce que nous pouvons trouver des réponses dans le passé et le repenser à travers le prisme du présent. Nous analysons comment cette invasion s'est produite, ce qui y a conduit. Et nous nous posons donc beaucoup de questions existentielles. La recherche de réponses à ces questions se fait généralement à travers quelque chose qui vous concerne. De plus, tout le monde ne peut pas aller filmer l'actualité.C'est une approche différente et un autre type de réflexion, et c'est tout à fait normal. Après tout, vous pouvez faire quelque chose avec ce à quoi vous avez accès personnellement.

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